田辺 友貴

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ここ過去20年間、日本ではカジノをめぐる論争が繰り広げられてきました。賭博は、刑法第186条と第187条で明確に禁止されています。賭博が禁止されているにもかかわらず、スロットゲームである「パチンコ」が2兆円規模の産業になっています。ただし最近になって、日本のギャンブル文化に大きな変化がありました。2016年に成立した法律のおかげで、現在、3つの合法的なカジノが予定されて位ます。

多くの都市は、成田空港や関西空港などの国際空港から離れています。東京の中心部にはすでに外資系ホテルが存在するため、新しい統合型リゾートに複数の外資系ホテルを誘致するのは難しいでしょう。候補地は、シンガポールやラスベガスのように多くの魅力を提供するには、あまりにも限られています。カジノ統合型リゾートは、第二の江原ランドになる可能性を示唆する証拠もあります。

今、巨大市場となりうる日本でカジノが合法となりつつあります。参議院は、統合型リゾート推進法案を可決し、日本国内において本格的なカジノリゾートへの道が開かれたのです。

それでも、まだカジノ賭博が法的に認められていませんが、来年以降、概ね実現していくことになるでしょう。

統合型リゾート推進法案は、ライセンス基準やギャンブル依存症で悩むプレイヤーをカジノから遠ざけるための措置を含む、規制計画を準備する期間として、政府に12カ月の期限を与えています。

来年には、追加の規制が計画されており、2020年代初めまでに最初のリゾート地を完成させるために、カジノのライセンスを承認することになります。

数十億規模の投資

これらはすべて、MGMのような多国籍カジノコングロマリットにとっても、嬉しい知らせとなりました。MGMは、日本の国会が法案を通過させた「たゆまぬ努力と実りある成果」に対して、間をおかずに公式に祝辞を述べました。

MGMは、「長年にわたる調査の結果、特に海外からの収益性の高い旅行や観光が大幅に増加し、何千人もの雇用と長期的な経済利益を生み出す大きなチャンスがあると考えています」と述べています。

MGMは、潜在的な市場に100億ドルを投じることを約束し、歌舞伎の公演を開催したり、アートコレクションに日本人アーティストを展示したりして、日本政府に働きかけてきました。

2014年に日本がカジノの合法化に近づいたとき、シェルドン・アデルソンのLVSは、可能であれば「現金で」同額を投資することを誓い、衝撃を与えました。

熾烈を極める競争

ある数字によると、年間400億ドル規模の市場に足がかりを得ようと、あらゆる大手事業者がライセンスをめぐる熾烈な競争を展開すると予想されています。

東京、横浜、大阪などが有力な候補地となっていますが、最初のライセンスが何件になるのか、最終的にどこにカジノが建設されるのかは不明です。

MGMは、今後、主要なステークホルダーとのパートナーシップを強化し、日本のビジネスパートナーとの連合体を形成して、「日本らしい、世界に通用する統合型リゾートのビジョンをまとめていく 」と述べています。

安倍元首相は、2020年の東京オリンピックに間に合うように、最初のリゾートをオープンさせたいと考えていましたが、少なくとも2022年まではどのリゾートも準備ができない見込みです。

『不知火海』（1975年）は、土本監督が水銀中毒について取り扱ったドキュメンタリー作品の中でも、あらゆる面において最も大きな成果を挙げた作品といわれています。社会と環境の発展における自然パターンと人々の日常の複雑な融合、汚染に直面した際のこれらの構造に対する不安、苦難に立ち向かう人々の強いメンタルへの賞賛、多くの患者が適切な認識を求めることの難しさ、病の深刻さがまだ認識されていない現状など、この悲劇の範囲と広がりについての幅広い考察を行っています。1971年『水俣 患者さんとその世界』の後に作られた映画で提起された問題も含まれています。

土本監督の調査は、かつて取材した水俣だけでなく、長さ約40マイル、幅約10マイルの不知火湾全体までに拡大しました。この不知火湾は、片側を本土に囲まれ、反対側には島々が密集しています。その結果、水俣湾では休漁していたにもかかわらず、この広い海岸では、ほとんど影響を受けずに、漁業が続けられていたことがわかりました。

意外なことに、『不知火海』は、どこまでも続く内海の大自然に継続して焦点を当てた、初めての映画となりました。晴れた日を中心に撮影された本作では、様々な漁法が紹介されていますが、その工夫は舞台と同様に美しいです。漁師たちが釣った魚を料理しているシーンでは、土本監督が親しみやすく、かえって近視眼的な印象が受けます。

漁業によって生活や文化が形成され、子供の頃から常に新鮮な魚を食べてきた人々にとって、漁業を断念するのはそう簡単なことではありません。漁業は、水俣の地元民と他の地域社会とをつなぐ糸なのです。中毒に苦しむ患者は、病についての誤った情報、地元の医師の怠慢、地元の漁業を守るために黙っていなければならないという社会的な圧力などが相まって、これまで多くの人々がそうであったように、未診断のままになっていたのです。

『不知火海』では、中毒の地理的分布と症状がどのように進行するかが描かれています。また、前作に登場した何人かの患者も再び登場します。先天性水俣病の子どもたちは、すっかり成長しています。思春期を迎えた彼らの人生は、いまだに病に悩まされ、より複雑になっていきます。

先天性水俣病の若い女性と原田医師との長い対話が、ワンシーンに収められています。カメラは、海辺の岩の上に座っている二人の後ろに距離を保って置かれています。若い女性は、原田医師に「脳の手術を受ければ治るのではないか」と問いかけ始めます。

この作品では、被害者の証言やスケッチをもとに、暑い夏のいつもの朝に目覚める広島市民の姿が描かれています。タイトルカードの上にある時計の音がまず聞こえてきます。その音は、原爆投下のカウントダウンを思わせるもので、次に起こることに対する視聴者が抱く期待を意図的に高めています。

新鮮な空気を入れるために、母親が引き戸を開けると、蝉の鳴き声が時計の音をかき消します。その日は月曜日で、幼い息子と10代前半の女の子を持つ家族が、学校と大学に行く準備をしています。ノスタルジックなピアノの音色がシーンを彩ります。

視聴者にとっては、これらの家族の日常や朝の様子を描く映像は親しみやすく、広島の一般市民をより身近に感じられるように意図されています。

作品は、子供たちと父親が家を出て、世間の人々と関わる様子を追います。母親や幼い子供、そして自然界の優雅さや地域の静けさも映し出されています。ここでは、小さな男の子が池に石を投げる様子や、満開のピンクの花も見られます。

地平線の映像、池の水面に映る太陽の光、再び登場する時計のカチカチという音などが、恐怖の到来を予感させます。迫り来る軍用ジェット機を恐怖の眼差しで見つめる男の顔に影が落ちますが、それはエノラ・ゲイではありません。タイマーはまだ動いています。

それから、「ピカ」の大きな光の爆発により、人や花の映像から色が抜け、白黒のスナップ写真になってしまいます。そして、あの伝説的な広島県産業奨励館（現在の「原爆ドーム」）を「ドン」と破壊します。この爆発は、人々の皮膚を引き裂き、辺り一面を真っ平らにします。

溶けた皮膚のまま路面電車から降りてくる人々、皮膚がロウソクのように溶けていきながらも、生まれたばかりの赤ちゃんに腕を回して盾になろうとする授乳中の母親、崩れた顔を憮然と見つめる女学生など、凄惨な光景が生々しく描写されています。

シリーズの最後を飾るのは、原爆ドームの映像です。その後、映像は突然、少年が紙飛行機を飛ばすセンチメンタルな映像へと切り替わります。彼が手放すと、飛行機は過去から現代の町へと飛んでいきます。ノスタルジックな音楽が再び鳴り響き、飛行機は理想的な風景の上を飛び、続いて飛行機が首都の上を飛ぶと、紙飛行機の影が広島の近未来的な高層ビルに落ちます。

ラストシーンでは、広島市は生まれ変わったけれども、そこに住む人々には過去の亡霊がつきまとっている、ということを暗示しています。

水俣の水銀中毒事件を題材にした土本典昭監督の自主制作映画シリーズの第2作目は、日本国内のドキュメンタリー映画史上における最高の傑作と評され、世界的にも高い評価を得ています。その理由を見てみましょう。

1932年、チッソ（1930年代から化学工業をリードしてきた肥料会社）が、安価な労働力を頼りに、首都圏から離れた九州の小さな町、水俣に工場を建設し、水銀を含んだ排水を周辺の海に流し始めました。

すぐに住民に未知の病気の兆候が現れ始め、この出来事は、次第に戦後における最悪の環境汚染事件へと発展していきました。土本典昭監督は、チッソを訴えた患者や遺族を訪ね、彼らの話に耳を傾けます。

1950年代から1970年代までの事件の日記が出版されているため、事業者とそれが水俣湾にもたらした汚染、そして長年にわたる事件の隠蔽について、実に驚くべき話を知ることができます。

興味深いことに、弾圧の対象となったのは、会社、役人（工場長は水俣市長を4回務めた）、そしておそらく最も意外なことに、汚染報道によってこの地域の漁業が崩壊するのを望まなかった住民自身でした。

土本監督と撮影スタッフは、水俣に5カ月間滞在し、衝撃的な出来事を克明に記録したドキュメンタリーを撮影しました。

その中で、水俣病で亡くなった人の遺族や、死なずにも病に苦しんでいる被害者の看護をしなければならない人たちのインタビューや映像が紹介されており、中でも、先天性の病気で生まれた子供たちの姿は大変痛ましいものです。

また、1958年の最初の抗議行動のリーダーや、チッソの活動の中止と原告への支払いを説得するために作られた委員会の設立者へのインタビューや、水俣の日常生活や様子も撮りおさめられています。

第一部では、工場に異議を唱え、汚染を証明する研究プロジェクトを支援するために資金を集める努力が描かれており、この側面こそが、再び驚くべき形でこの映画を締めくくるものとなります。

第二部では、病気の被害者が感染症であると勘違いした病院から病と診断されず、さらに街の人々からも偏見を持たれ、最終的には社会から排除されてしまうという、おぞましい場面が描かれています。

土本監督と関沢孝子のカットは、120分の尺（当初のバージョンは167分で、土本監督は映画祭や環境会議で上映するために短縮しました）の中に、できるだけ多くの新しい題材を盛り込みながら、異なる映像を次々と映し出し、適度なテンポを保っています。

このようにして、（ドキュメンタリーとしては）長尺でありながらも、観客を全く飽きさせないテンポを保っています。

『水俣 患者さんとその世界』は、単なる優れたドキュメンタリーにとどまらない素晴らしいスペクタクルなのです。ぜひ一度は見てみてください！

今村昌平監督による人間心理の深層への執拗な挑戦の最終章となる作品。プラスチックのセールスマンである大島裁の失踪事件をテーマにしたドキュメンタリー調映画として撮影されました。時系列的には、1960年代半ばの出来事を取り扱っています。

今村監督が手掛けたもうひとつの作品である二重結末のシリーズと同じセリフを連想させます。あらすじは、男性が行方不明になり、2人の姉妹の激しい争いが描かれています。最後の30分を見れば、作品全体を通して表現された出来事の意味がわかり、すべてがはっきりと明らかになります。

ストーリーはリアルさが感じられますが、どこに真相が描いているのかを特定するのは難しいです。その結果、今村監督による映画を見るたびに、同様のジレンマに直面することになります。ここで本当に「失われた」のは誰なのか？私たちは一体何を探しているのか？

私たちが探しているのは、行方不明の男なのか、死んだかもしれない男なのか、勇気を出して「ピン 」を折った男なのか、それとも社会現象の調査なのか？もしかしたら、これらすべての可能性がありますが、それだけに留まらないのは明らかです。

本作は、雑然とした実験作であることが最初から感じられます。とはいえ、物語が進むにつれて、作品の核心部が並外れており、驚異的な精度で綿密に作られていることがわかります。一見すると、どこにもたどり着けない運命にあるように見える作品ですが、実に興味深い方法で、あらすじの核心部を操ることに完全に成功しているのです。

もっと具体的に言うならば、作品は半ばあたりで、行き止まりに入っていきます。今村監督と撮影スタッフたちは、ほとんどフェティシズム的な強迫観念に支配され、人間の絆を描きながらも、昔ながらの伝統と比べられる現代的な文化のあらゆる要素を剥ぎ取ろうとしているようであり、それと同時に、これらの原因にある内的な精神を考察しているようでもあります。

冷徹にも見知らぬ死体を「解剖」していくシーンでは、映像がメスのように使われています。それでいて、特定の物体にフォーカスし続けます。この作品は、考察中のテーマに関する深い内省じみており、解剖学に精通している人にとっては解剖学の授業をイメージしたような作品となっています。

男の失踪の真相が何であれ、さらに2時間半にわたって多くの人々が「尋問、告白、衝突、推測、発見」を間近で行った後も、彼に関するすべてが完全に主観的で未解決です。濁った、現実そのもののような…あるいは、少なくとも、より大きなスケールに知覚・拡張された現実のようなものです。

それは、私たち一人ひとりが、人生の重要な出来事において、自らの行動を説明するために事実の一部を脚色するのと同じメカニズムのように思えます。私たちは、自分自身の存在が「流動的」であることをある程度認識しています。人間の行動は、周りの既知および未知の人々と交差するまで、経験を通して進化し続けます。

これはしばしば、「全体像」を作った結果、あるいは作りたいという願望によって現れるのです。

ドキュメンタリー映画『東京オリンピック』は、市川崑監督によって手掛けられた作品。1965年の東京オリンピックの公式記録として撮影されました。スポーツ競技というありふれたテーマを、技術的にも物語的にも工夫され、見事、芸術作品に仕立て上げられました。

この作品は、日の出のシーンから始まり、日没のシーンで締めくくられます。この映像は、異色の映画に基本的な構造を与えると同時に、日本の象徴と人類の根源的なつながりを表現するものとして、東京オリンピックのテーマとしての意味を帯びています。

富士山の前を走る列車の美しいシーンでは、日本の象徴である日の出が再び使われています。市川監督は、さまざまな国からの匿名の視聴者とナレーション説明を並べて配置しています。

一方、オリンピック大会の表現では、市川監督による創意工夫が際立っています。

たとえば、段違い平行棒では、競技者の真下にシーンの一部を配置しているなど、多くの競技で優れたカメラワークが見られます。射撃競技では、静けさと速さを両立させ、時には銃口を相手に向けて発射することで、親近感を表現しています。

他にも、アスリートの筋肉や、重量挙げの選手の足首など、市川監督が表現するアスリートの体は、まさに注目に値します。水泳競技のシーンでは、まるで選手がタマムシ色のプールと対話しているように見え、選手が動かす手は、光り輝く湖の上を飛んでいるように見えます。

観客はボートに同乗し、水の上を疾走する漕ぎ手の力強さと優雅さに驚かされます。市川監督のチョイスはいつも意外性がありますが、観客はそのカメラワークのユニークさと芸術性にすぐに魅了されます。

市川監督によるグラフィックもさることながら、「何を見せるか」「何を見せないか」も同様に重要です。実は、勝者よりも、敗者の方がより頻繁に映し出されるのです。

たとえば、ドリンクテーブルの前を通り過ぎる長距離ランナーたちが、判断に悩む姿を面白おかしく映し出していたりと、アスリートにとって一番辛い瞬間やあまり魅力的でない瞬間を捉えています。

また、短距離走者が倒れる様子や、マラソンランナーのクタクタになった脚も映し出されます。市川監督は、観客の様子についてもカメラにおさめ、その結果、アメリカ人観客の評判は落ちてしまうことになりました。

この作品は、オリンピックの壮大さと曖昧さの中で、最終的には何らかの意味を表現しようとしています。

強引なナレーションはさておき、市川監督が意図したのは、競技や選手の人間性だけではなく、人間の基本的なつながりを強調することでした。

市川監督は、各国で聖火が運ばれる様子を長々と映し出します。選手の入場式にもかなりの時間を割いており、各国のすべてのアスリートに同じくらいの登場時間を映し出しています。

観客はそれぞれの国のスタンドにいて、一団となって交流しています。

オリンピックは、開催期間がどんなに短くとも、すべての人々をまとめて団結させます。ナレーターの話を聞くまでもなく、理解できることでしょう。